原文刊載於《藝術認證》雙月刊29期(2009年12月)

藝術家侯立仁與水彩之所以結下不解之緣，除了輕便易攜的特性與經濟考量外，擁有志趣相投的作畫同伴共切磋也是一大助力，他與羅清雲多年的「寶島摩托車之旅」，留下台灣各地景致的水彩寫生；直到一九八○年左右，侯立仁才逐漸轉以油畫為主要創作媒材。
 
侯立仁回憶起和好友羅清雲之間的競爭與激勵時，舉了一個小小的例子，他說，當時兩人為了比看看誰畫得勤，只要一支水彩顏料用完，就會將其上方的小蓋子保留下來，放進玻璃瓶裏。類似古時書法家王獻之寫完一缸水的實踐決心，他倆一點一滴地累聚創作功力。侯立仁三大罐裝滿水彩顏料蓋的玻璃瓶，至今還如紀念品般留在身邊。
 
侯立仁將繪畫中的水彩創作，比喻為文學中的詩詞寫作：因為畫水彩需在畫前謹慎構思，然後掌握時間迅速下筆，就像寫詩一樣簡短、精準，以最少的著墨，暗示多重的內在意涵。敏銳的觀察力，加上美學素養，使得自然風景在畫家筆下經過不同的取捨、詮釋與表現，展現個性化的動人風情。
 
高美館典藏的兩件侯立仁之水彩寫生〈集車場(永康糖廠)〉與〈溪橋深翠(永康)〉，實景都位於其任教數十年的台南女子技術學院附近。〈集車場(永康糖廠)〉中堆滿廢棄車箱的糖廠理應荒涼雜亂，但在其筆下，熟練律動的筆觸、繁複和諧的色彩，讓景色神奇地鮮活起來。前景的草與樹猶如姿態萬千的翩翩舞者；向遠處延伸的列車廂與鐵軌，則以蜿蜒的曲線引領觀者的目光遠推，直到遙遠的天際，拉出多層次的空間感，極富張力與動態表現。
 
〈溪橋深翠(永康)〉則平靜宜人，如鏡的溪水，水面之表面張力清晰再現。藝術家以簡單的色塊，加上暗示的技巧，創造出水面映照的景象。全幅之構圖嚴謹、用筆精準，以深淺變化的綠交織成綠色組曲，寧靜而閒適，讓觀者徜徉其中，心彷彿被過濾般變得純淨、透明，精神得到最大限度的自由和舒張。
  
一般英式水彩的傳統畫法，先畫遠景及較淺的顏色，之後再慢慢勾勒前景及加深色彩，且一次使用一種顏色，藉不同層次之明暗逐漸形成立體感。傳統畫法中規中矩，但缺點是受限於作畫時必定考慮的先後順序，例如需從較不重要的遠景畫起，可能錯失了感動當下的立即表現；另多層次的畫法可能讓色彩不夠透明清澈。
 
侯立仁因此自行研究「侯氏畫法」，屬於改良式的縫合法，打破了繪畫順序的鐵律，可先將自己欲表現之重點極力描繪，亦不必考慮顏色深淺，自然接合沒有重疊，作畫時將更能自由揮灑。但縫合法若畫不好可能流於破碎，因此純熟的技巧鍛鍊絕不可少。此種畫法使侯立仁的許多畫看不出作畫順序；既保有水彩的清澈透明，亦表現渾厚含蓄之感。

另外，侯立仁經過多番嘗試，利用沾染多種顏料的畫筆，簡單幾筆，即可產生變化萬千的色彩，學生看時常嘖嘖稱奇，其中顏料順序與運筆方式是關鍵，需要反覆練習才能巧妙呈現自然交融之色彩。
 
侯立仁雖然在水彩技法上曾下過苦功，但他認為創作時若只賣弄技巧，一點都不高明。如果欣賞一幅畫時，第一眼注意到的是其高超之技巧，這樣的畫稱不上頂級作品；應先將技巧練到爐火純青後，逐漸拋開它。最好的作品是讓人欣賞畫作時能直指內容，深深被其內在蘊含的情感所吸引感動。雖然技巧不好會影響欣賞，就如同看書時，不順的字句會阻礙閱讀，但炫技絕非創作之目的。
 
侯立仁天性喜好厚重、深沉與實在的感覺，無論是水彩或油畫作品都不自覺地呈現偏暗之色調。他承認這也表示了他對世界的看法：「生命的負擔是沉重的，歡樂何其少而不愉快和悲慘的事件何其多，我們所以還值得活下去，是生活中還是有那一絲溫情和虛幻的希望存在，我的畫只是想保留住我體會到的那一絲絲溫情。」
 
侯立仁是位真誠的觀察者，與執著的實踐者，其創作的可貴處不僅在於其獨特的表現形式，且在於其一以貫之的，對自然與人間之愛永不止息的關懷。