策展人 | 吳慧芳
展覽執行 | 吳家男


關於本展
 
文｜吳慧芳(高雄市立美術館展覽部資深策展人)
 
「和光同塵」語出《道德經》，意指將自身光芒收斂於塵世之中，在不張揚之中保持內在的明度。以此作為本展展名，不僅對應李安成的生命氣質，也指出其創作在臺灣當代水墨發展中的特殊位置：他不依附於傳統筆墨正統，也不刻意回應當代藝術潮流，而是在長期獨立而持續的創作中，建立出一套沉靜而鮮明的個人語言。

李安成(1959-2015)，出生於雲林縣莿桐鄉，自幼深受其父親與家庭影響，也受其兄長李茂成創作的耳濡目染。於虎尾高中就讀時期，曾師事於書畫家賈松珍（1926-），在求學階段便顯露其創作潛力。1979年畢業後遷居基隆與其兄長李茂成同住，1987年於臺北春之藝廊首次舉辦個展，也進一步確立成為專業藝術家的決心。李安成的藝術薰陶雖曾受傳統訓練，但從自身的鄉村體驗與觀察，並透過水與墨在紙上的暈染、交融，以及毛筆、排刷的交互運用，跳脫傳統水墨技法，將所悟內化為一種介於具象與抽象之間的風景意象，蘊含對土地和大自然的豐沛情感。

李安成的作品雖常以山水為題，但其核心並不在於自然景觀的描繪，而是在水、墨、紙三者交會之中，使畫面成為一個持續生成的場域。山不只是山形，而是墨色的積聚；水不只是空間背景，而是時間滲流的痕跡。留白亦非單純構圖安排，而是氣息流動與視覺節奏的重要部分。其作品往往介於具象與抽象之間，觀者所面對的，不是可立即辨識的風景，而是一種需以身體感知進入的筆墨氣場。
本展精選展出50件作品，試圖在回顧藝術家創作歷程的同時，重新建立其筆墨發展的內在脈絡。展覽從不同時期的生活空間與媒材轉換切入，呈現李安成如何在長期創作中逐步形成其獨特語言。

早期基隆時期作品，以單宣紙為主，墨色清朗、水分充足，畫面保有明顯的流動感與空氣感，已可見其脫離傳統皴法、改以水墨自然生成畫面結構的傾向。90年代後，畫面黑白對比逐漸加強，塊面關係更加鮮明，山勢帶有壓縮與沉積的心理重量，形成具有內在張力的心象風景。

2000年前後，作品進一步轉向厚重與密集，大尺幅創作大量出現，墨層堆疊形成如地貌般展開的視覺場域。此時墨色不只是色階，而成為具重量感的物質存在。2003年後，隨著韓紙媒材的使用，紙張纖維帶來的阻力使筆觸更重、更快，飛白、拖曳與裂痕成為畫面特徵，作品也由山水逐漸轉化為更接近氣場與節奏的抽象結構。

晚期移居高雄後，南臺灣強烈的光線與地貌經驗，也為其畫面帶來新的開展。在厚重墨色之中，仍可見某種穿透性的光感，使其晚期創作呈現不同於北部時期的空間氣息。

李安成在臺灣水墨史中的特殊性，正在於他長期處於制度與市場之外，未形成學院系譜，也未主動對應流行風格，卻因此保有極高的實驗自由。他的創作並不追求形式上的標新立異，而是一種反覆在同一媒材中深掘的過程；不是藉由宣示來建立位置，而是在不斷的筆墨積累中，使畫面自然生成自身的強度。本展所欲呈現的，不僅是李安成50件作品的聚合，更是一位藝術家如何在短暫而安靜的創作中，將個人生命經驗、自然感知與媒材實驗轉化為當代水墨中少見而堅定的存在。
 

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關於李安成

李安成（1959–2015）生於雲林莿桐的農家，自幼成長於貼近土地與自然的環境。父親務農卻重視植物之美，母系家族則富於文藝氣質，形塑了他日後以感受為核心的創作性格。少年時期受兄長影響投入繪畫，雖未經正規美術訓練，卻在書法與傳統筆墨的長期鍛鍊中，奠立深厚基礎。

1970年代末，李安成歷經創作方向的困頓與生命低潮，甚至多次毀棄作品，在反覆否定與重建中尋找自身語言。1987年於台北春之藝廊首次個展，以強烈而獨特的水墨風格引起關注，被譽為「台灣畫壇傳奇」的新銳藝術家。他不循傳統山水的既定符號，而以整體氣韻與筆墨運動構築畫面，使山、水、風、雲在流動中生成，展現近乎抽象的自然經驗。

1990年代後期，他重新確立以藝術為生命核心的道路。2000年前後隱居山林與淡水紅樹林，長時間觀察自然與內省，深化對水、墨與紙之間偶然性與控制力的掌握。其後嘗試韓國手工棉紙，進一步拓展水墨的物質表現與精神強度。

晚年南遷高雄，生活回歸簡樸，親近土地與日常勞動，創作亦更趨沉著內斂。2013年再次大規模毀畫，展現持續自我更新的決心。2015年辭世。
李安成一生游離於體制之外，卻以長期而孤獨的實踐，開展出獨具一格的水墨語言。在其作品中，筆墨不僅是形式，更是一種與自然與生命交會的方式，呈現出台灣當代水墨中少見而深刻的精神維度。



指導單位｜高雄市政府文化局
主辦單位｜高雄市立美術館
特別感謝︱李安成家屬、葉國顯先生、誠品畫廊